Klaustrofobie nie muszą się stosować: 16 filmów z jedną lokalizacją

Jednym z podstawowych założeń początkujących twórców filmowych jest nauczanie i zachęcanie do szkoły filmowej, przynajmniej gdy zaczynają, jest wybranie prostej, idealnie jednopoziomowej lokalizacji ze względów praktycznych: budżetów i ich braku, pozwoleń, kontroli, oświetlenia łatwość itp. Jeśli jesteś spłukanym studentem filmowym bez środków, najłatwiejszym sposobem na zrobienie filmu jest ustawienie go w jednym środowisku, w którym masz całkowitą kontrolę.



Dowcip; Quentin Tarantino ustaw jego zdjęcie napadu „Rezerwowe Psy”W magazynie i nigdy tak naprawdę nie pokazał skoku, zamiast tego zdecydował się zachować wnętrze jako zdjęcie wewnętrzne z wyjątkiem kilku scen na zewnątrz, które prawdopodobnie zostały nakręcone w dzień lub dwa. Co ciekawe, z naszej listy najlepszych filmów w jednym miejscu prawie wszyscy ci filmowcy ustawili te filmy w jednym otoczeniu, dokonując kreatywnego wyboru, a nie dlatego, że zostali do tego zmuszeni. Metodologia, która za tym stoi, nie jest bardzo odległa Jack WhiteManifest mniej znaczy więcej w ramach białe paski: zmuszając się do kreatywności, odejmując wszystkie zabawki, które zwykle masz do dyspozycji, i wracając do podstaw.

Danny Boyle„S”127 godzin”Trafia dziś do kin w ograniczonym wydaniu i choć nie jest ściśle osadzony w jednym miejscu, zdecydowana większość filmu osadzona jest w jednym, klaustrofobicznym kanionie, z canyonerem Aronem Ralstonem uwięzionym pod głazem. Boyle używa wszystkich sztuczek w swoim słownictwie filmowym, aby zachować świeżość sytuacji, ale pomyśleliśmy, że sprawdzimy, jak inni filmowcy, od Alfred Hitchcock ostatnio „Pochowany„Dyrektor Rodrigo Cortes, zajmowali się jedną lokalizacją.



„Rope” (1948)
W 'Lina”Na podstawie prawdziwego przypadku Leopolda i Loeba, dwóch studentów uniwersytetu, którzy wierzyli w Übermenschowską teorię morderstwa Nietzschego jako ostateczny akt wyższości intelektualnej, Alfred Hitchcock rzuca szereg technicznych przeszkód na drodze do przedstawienia tej historii (na podstawie w 1929 r Patrick Hamilton grać) na dużym ekranie. Oprócz ustawienia pojedynczej lokalizacji, mieszkania, Hitchcock odtwarza film (mniej więcej) w czasie rzeczywistym (obserwuj zmianę położenia słońca za oknem w całym filmie) i próbuje przedstawić film jako jedno nieprzerwane ujęcie dzięki niektórym sprytna edycja. Podczas gdy techniczne gambity nie zawsze działają i czasem rozpraszają uwagę, ogólnego efektu nie można zaprzeczyć. Ze wspaniałymi występami Johna Dall'a i Farleya Grangera jako morderczego duetu oraz zawsze niezawodnym Jamesem Stewartem jako podejrzanym nauczycielem, ”; Rope ”; to wyjątkowo zabawna gra w kotka i myszkę, która podnosi stawkę, utrzymując wszystkich graczy w kadrze przez cały czas trwania. W szczególności Dall wyróżnia się jako Brandon, wiązka zawrotnej radości połączonej z przewrotnym poczuciem spełnienia, podczas gdy Granger uważa się za bardziej nerwowego i wyrzutów sumienia Phillipa. Nawet jeśli wiesz, jak ich idealna zbrodnia jest idealna zostanie ostatecznie ujawnione, ”; Rope ”; jest nadal świetną zabawą do oglądania. Werbalne sparingi są pyszne, a pasmo homoerotyzmu przebiegające przez film jest niezwykłe jak na swój czas. Niewiele z pojedynczych filmów na tej liście próbuje tyle, ile żongluje tutaj Hitchcock, ale w większości działa, a co ważniejsze, historia szybko staje się o wiele bardziej fascynująca niż nowości. [B +]



„12 Angry Men” (1957)
Pedanci, odsuńcie się - podczas gdy w filmie są sceny ze scenami na zewnątrz, a łazienka jest krótko opisana, " 12 Angry Men ”; jest sercem filmu o jednej lokalizacji; wszystko, co ważne, dzieje się, zamknięte w czasie i przestrzeni, w przepoconym, pozbawionym cech komnacie przysięgłych, w której 12 tytułowych mężczyzn zostaje wysłanych, aby zadecydować o losie mężczyzny oskarżonego o morderstwo. Oparty na (i najwyraźniej różniący się scenariuszem od) teleplay o tej samej nazwie, że film nigdy nie wydaje się niczym kinematograficznym, pomimo telewizyjnych korzeni i celowej teatralności jego inscenizacji (świadek pięknej choreografii tego niszczycielskiego momentu, w którym rasistowski rasista ujawnia się, a każdy z jego towarzyszy jeden po drugim wstaje i odwraca się plecami) jest w dużej mierze z powodu zawrotnych występów, poprowadzonych przez nigdy nie lepsze Sidney Lumet w trakcie żmudnego procesu prób. Specjalne wyróżnienie należy udać się do Henry Fonda, którego dzieło jest arcydziełem niedopowiedzenia i powściągliwej inteligencji i promuje film od medytacji na temat wolności, systemu sądowego i znaczenia sprawiedliwości (interesującego) do uważnie obserwowanego eseju na temat mechaniki władzy i manipulacji (interesujący). Tak, niektóre szczegóły mogą wydawać się teraz banalne - świadek GASP nie nosił okularów; stary SZOK ciągnie nogę - ale częściej nie są to fakty które zmieniają zdanie, zamiast tego każdy człowiek okazuje się niesłuszny, wystawiając swoją pychę, uprzedzenia i małostkowość na resztę i na siebie. Być może jest to najbardziej niezwykłe osiągnięcie filmu; jest to monumentalny pomnik idei, że zwykły człowiek ‘ jest w sercu dobry i uprzejmy - wystarczy, że czasem potrzebuje trochę przypomnienia. [ZA]

„Lifeboat” (1944)
Alfred Hitchcock z pewnością miał swego rodzaju masochistyczną kreatywność, która postawiła swoje produkcje w wyjątkowo trudnych sytuacjach, jak powiedzmy, w obrębie szalupy ratunkowej z ekscentryczną divą (i zauważyła rajstopy) Tallulah Bankhead. Następnie wrzuć dla zabawy zestaw prymitywnej amputacji nóg! Obraz zespołu z II wojny światowej zdobył Oscara za najlepszy reżyser, najlepszą oryginalną historię filmową (John Steinbeck), najlepszą czarno-białą kinematografię (zrezygnuj z duchów z poprzednich kategorii Oscara) i całą masę kontrowersji dotyczących tego, co postrzegano jako propagandowy portret nazistowskiego kapitana, który kończy na pokładzie łodzi ratunkowej. Motley załoga zrzucona razem po tym, jak statek pasażerski i niemiecka łódź podwodna zatapiają się nawzajem, tworzą mały model Wielkiej Brytanii ras, wyznań i narodowości, a wszyscy muszą nauczyć się, jak sobie radzić, aby przetrwać - i nie wszyscy to robią. Hitchcock stanął przed wyzwaniem kręcenia tego filmu - wsadzenie grupy aktorów w szalupę na środku oceanu nie daje reżyserowi tak wielu opcji wizualnych, ale ustawił aktorów w kadrze w dynamiczny, warstwowy sposób , wykorzystywał zbliżenia i po mistrzowsku stworzył cały wszechświat w granicach łodzi, po prostu wypełniając ramę postaciami. Mimo niewielkiej lokalizacji film nigdy nie jest klaustrofobiczny. Hitch dodał także kolejne wyzwanie do opowiadania historii, całkowicie eliminując partyturę (z wyjątkiem samego początku i końca), nie pozwalając publiczności na wpływ wskazówek muzycznych, ucząc się tego, co musieli wiedzieć z działań bohaterów, Hitch ’; niezrównaną pracę i edycję kamery oraz opuszczony, dietetyczny dźwięk oceanu uderzającego o kadłub. Wszyscy twórcy filmów w jednym miejscu: kłaniają się przed swoim mistrzem. [ZA]

„The Breakfast Club” (1985)
Zmorą egzystencji w szkole średniej - oprócz niezręczności i nieprzystosowania się do niej - jest szlaban, więc John Hughes był genialnym posunięciem fizycznego uwięzienia jako emocjonalnej metafory niepokoju i udręki wszystkich nastolatków, bez względu na ich stanowisko w szkole czuć. Być może nie jest tak klaustrofobiczny, jak niektóre filmy z tej listy, „The Breakfast Club” nadal pasuje do tego, ponieważ obraz jest w całości w szkole średniej w najgorszym możliwym dniu dla nastolatka: w sobotę. Widziałeś to, więc nie musimy opowiadać ci wiele więcej o tym klasyku z lat 80., który zmusza kujona, kozła, wyrzutka, przestępcę i priss do rozwiązania ich wspólnych problemów, ale jest to pomysłowy założenie, które oczywiście działało w pikach. W dramacie jest dużo gniewu i łez, kiedy studenci filmu zmuszeni są stawić czoła swoim lękom i demonom, ale ostatecznie to szczera samoanaliza pozostawia ich, a my widz, czujemy się trochę lepiej rozumiani w świecie, który jest w dużej mierze okrutny i bezlitosny. [ZA]

„Pochowany” (2010)
Pomysł jest prosty: mężczyzna budzi się pogrzebany żywcem w trumnie i musi walczyć o życie. I, aby być pewnym, film Ryana Reynoldsa zyskał wiele wczesnego szumu i gorąca ze względu na jego ambitną zarozumiałość, która znalazła aktora na ekranie przez całą długość filmu. I chociaż Reynolds udowadnia, że ​​jest w stanie utrzymać helluva obecność w czasie wykonywania obrazu, szkoda, że ​​scenariusz Chrisa Sparlinga nie może równać się z energią włożoną przez głównego aktora filmu. Zaniepokojony problemem postaci Reynoldsa, która ma niewiarygodnie silną obsługę telefonów komórkowych pod ziemią, scenariusz staje się coraz gorszy. W skrócie „Buried ”; to 90 minut rozmów telefonicznych, a ponieważ te postacie są tylko głosami, z których Reynolds się od niego odbija, szybko staje się jasne, jak cienko zbudowane jest całe przedsięwzięcie. Osiągając jakąś wagę narracyjną, scenariusz przechodzi w jakieś polityczne oświadczenie na późnym etapie, ale nie przekonuje. Reżyser Rodrigo Cortes dokłada wszelkich starań, aby twórczo nakręcić film, który rozgrywa się w wyjątkowo ciasnej przestrzeni, ale istnieje tylko tyle różnych sposobów, aby ująć Reynoldsa w zbliżeniu. Cały dym i nie ma ognia, „zakopany” dosłownie się boksuje. [C-]

„Kostka” (1997)
Ćwiczenie polegające na robieniu dużo przy użyciu „Cube ”; został zastrzelony w ciągu 20 dni na jednym 14 ’; x14 ’; za jedyne 365 000 $ CAD, ale zrodziły się dwa kolejne filmy (kontynuacja i prequel) i dość kultowe. Jest to chudy, pochłaniający utwór, w którym wyraźnie kafkowski chwyt (grupa nieznajomych budzi się w koszmarnym sześcianie składającym się z ciągle zmieniających się i prawie identycznie wyglądających pokoi, z których wiele jest przygotowanych do zabicia), jak we wszystkich najlepsze science fiction, naprawdę istnieje tylko jako wymówka, by oddać się nieco staromodnemu filozofowaniu i pewnej władzy w stylu „Ocalałego” gra się, gdy tymczasowe sojusze tworzą się i rozpadają, a ludzie okazują się nie tym, czym się wydają. Mówimy lubić najlepsze science fiction, ponieważ nawet w najlepszym wydaniu, “; Cube ”; tak naprawdę nigdy tam nie dotrze; ani nie skacze w tak naprawdę dziwny i / lub pokręcony sposób, jak „2001”, a nawet „Primer”, rdquo; lub “; Pi, ”; ale nie daje nam żadnych rzeczywistych odpowiedzi, więc raczej mieści się między wszystkimi dostępnymi stołkami, a niektóre raczej nudne aktorstwo i charakterystyka powodują, że nie jest to element zespołu w stylu „Sunshine”. Ale oczywiście są to w większości porównania z filmami, które miały wiele, wiele razy budżet Cube'a, więc być może jest to zbyt pochopne. Jeśli nic więcej, mamy za to podziękować za zwiastowanie przybycia bardzo obiecującego nowego reżysera horrorów / science fiction w Vincenzo Natali, który od tego czasu przyniósł nam takie tytuły jak “;Szyfr”; i “;Splatać”; (który bardzo nam się podobał), a obecnie jest związany z tym science fiction Świętym Graalem - adaptacją Williama Gibsona ’; s “; Neuromancer. ”; [B]

„Phone Booth” (2002)
Testament przetrwania wysokiej koncepcji w Hollywood, scenarzysta Larry CohenBoisko do tego filmu pozostało na półce przez nieco ponad 40 lat, kiedy to zostało opracowane przez Alfreda Hitchcocka. Film został opracowany pod czujnym okiem znacznie mniej utalentowanego filmowca, Joela Schumachera, najbardziej znanego z trwałego położenia kresu serii Batmana w latach 90. Rezultat końcowy jest dokładnie tym, czego się spodziewałeś, chociaż Schumacher udaje się przekonującą główną rolą nie testowanego wówczas Colina Farrella (wcześniej współpracował z Schumacherem w najlepszym filmie reżysera z lat 2000, rsquo; s Wietnamowy obóz szkoleniowy dramat “; Tigerland ”;). Jako wyjątkowo niefortunny publicysta Douchebag Stu Shephard, poty, krzyki i łzy Farrella w szklanym przedziale, jest on na stałe zamknięty pod czujnym okiem bezimiennego strzelca wyborowego (Kiefer Sutherland, który spędza prawie cały film fajnie informując Stu o swojej nieuchronnej śmierci lektorem i, co zaskakujące, przybija gwoździe). Pomiędzy tymi dwoma mężczyznami stoi wierny czarnoskóry oficer policji z prostą strzałą, kapitan Ramsey (Forest Whitaker, zawsze niezawodny i zapewniający pewien stopień czci zmęczonej postaci). Zepsucie męki, którą przechodzi Stu i to, czy kiedykolwiek wyjdzie on z budki telefonicznej żywy, podważyłoby paskudne dramatyczne zwroty Schumachera - gdy cały film jest scenografią, jest tylko tyle gazu, że można wypalić, zanim wszystko spowolni się do melasy. Na szczęście budka telefoniczna ”; utrzymuje napięcie na wznoszeniu i obracaniu w sprawnym, okazjonalnie ekscytującym i zawsze oglądalnym thrillerze z kotłem z unikalnym chwytem, ​​który w większości zużywa się szybciej niż myślisz. [B]

“; Lebanon ”; (2009)
Najnowsza wersja “;Liban”; sprawia, że ​​ta lista jest nie tylko dlatego, że dosłownie cała akcja jest widoczna z punktu widzenia czołgu, ale także dlatego, że ta pojedyncza lokalizacja służy do zaskakującego efektu. Odtworzenie przez Samuela Maoza własnych doświadczeń jako izraelskiego strzelca czołgowego podczas wojny między Izraelem a Libanem w 1982 r. (Z wyjątkiem pierwszych i ostatnich dwóch ujęć filmu) odbywa się całkowicie w izraelskim czołgu wspieranym przez zespół spadochroniarzy którzy wkraczają na terytorium wroga pierwszego dnia bitwy. Strażnik Maoz, strzelec Shmulik (Yoav Donat) pozostaje uwięziony w tym urządzeniu przez cały czas trwania filmu wraz ze swoją załogą, na czele z dowódcą, który zmaga się z konfliktowymi osobowościami swoich ludzi. Bez wątpienia znasz wyrażenie, że kiedy umieścisz wiele osób w pomieszczeniu przez długi okres czasu, szwy nieuchronnie się rozejdą i będą uderzać. W “; Lebanon, ”; czołg jest zaledwie pokojem, a ludzie albo będą żyli, albo umrą do końca dnia - a jeśli nie dzisiaj, to jutro. Czołg zapewnia ochronę, ale jest także pułapką, która nie ma wyjścia, nie ma wyjścia awaryjnego. Jeśli zbiornik płonie, ciało też. “; Lebanon ”; to kręcenie kulek do ściany i należy je zobaczyć, doświadczyć, jeśli nie koniecznie lubić. [B +]

„Panic Room ”; (2002)
Za kontynuację pierwotnie krytycznej i komercyjnej porażki & Fight Club ”; (wszyscy wiemy, jak to się potoczyło), David Fincher postanowił dać współczesnemu thrillerowi zastrzyk retencji analnej tylko kilka wizjonerów z tego biznesu. W “; Panic Room ” ;, Fincher skrupulatnie przedstawia projekt ogromnej kamienicy, która ma zostać oblężona przez trzech mężczyzn o bardzo różnych temperamentach - gorącego Juniora (Jared Leto), nieokrzesanego kierowcę autobusu Raoula (Dwight Yoakam) i zadowolonych z siebie , choć sumienny, bezpieczny cracker Burnham (Forest Whitaker, który między tym a „Phone Booth” zdominował rynek w 2002 r. z udziałem autorytatywnych czarnych postaci wspierających w zamkniętych przestrzeniach). Napięcie w tym przykładzie z pojedynczą lokalizacją pochodzi od Meg (Jodie Foster) i Sarah Foster (Kristen Stewart, przygryzając wargi najlepszymi z nich we wczesnym przykładzie apatycznego działania, które przeprowadziłoby ją przez „Zmierzch„Serial”), matkę i córkę, których jedynym nieszczęściem było wprowadzenie się w niewłaściwy dzień. Na szczęście w domu jest nowopowstały „pokój paniki”, nieprzenikniony, zaopatrzony w jedzenie i kamery obserwujące dom. Problem polega na tym, że sejf, w którym złodzieje chcą się włamać, znajduje się w pokoju i mają wszelkie zamiary wejść, nie wysadzając domu. Zgodnie z reżyserem Finchera i (głównie) nakręcony przez Conrada W. Halla (syna nieżyjącego już wielkiego Conrada L. Halla), “; Panic Room ”; jest mroczny, metodyczny i wspaniały, ale niczym więcej niż ostry jak brzytwa thriller z kuszącą koncepcją. Kolejny film będący świadectwem wirtuozowskiej techniki Finchera, Panic Room ”; jest paskudnym małym skowronkiem twórcy filmowego, ale niewiele więcej. Nadal jednak w rękach Finchera, co stawia głowę i ramiona nad konkurencją. [B-]

„My Dinner With Andre” (1981)
Oprócz powiedzenia, celowe eksperymenty i osobiste wyzwania Hitchcocka (wiele z nich wymienionych tutaj) na początku lat osiemdziesiątych, podczas festiwalu Louisa Malle, mogą być apogeum pojedynczych scen. Zasadniczo 110-minutowa rozmowa „My Dinner With Andre” jest dokładnie tym, czym jest przedłużona kolacja między dwojgiem przyjaciół, nakręcona w czasie rzeczywistym w celu omówienia natury życia, teatru i nie tylko. Przedmiotami są osobliwy aktor Wallace Shawn oraz jego przyjaciel i reżyser eksperymentalnego teatru, Andre Gregory. Gregory jest dociekliwym marzycielem, podczas gdy Shawn jest bardziej cynicznym typowym nowojorczykiem i chociaż w ich dyskursie jest niewiele tarcia, ich subtelne różnice tworzą pochłaniającą dychotomię. Chociaż brzmi to również tak, jakby kino poszło nie tak - i zasadniczo jest to sprzeczne z każdą zasadą kręcenia filmów i pisania scenariuszy 101 - kolacja z Andre jest absolutnie wciągająca, oglądalna i wciągająca. Przygotowanie smaku Kolekcja kryteriów nie przedstawili go jako artefaktu, oni też chcą na tym zarobić, wiedzą i zdają sobie sprawę, że jest to zawsze przekonujący film (i w ich wyrobach jest dużo bardziej suchych rzeczy - patrz klaun „Single Honor” z pojedynczym scenariuszem Robert Altman). Podczas wieczerzy Wallace i Gregory dotykają filozoficznie tematów takich jak natura życia, egzystencji i teatru, ale zawsze z otwartą i zachęcającą ciekawością; nie ma pedantycznych odpowiedzi ani postulatów - jest to w najlepszym wypadku kolokwialne. 100 minut później, gdy łamanie chleba jest już zrobione, a wino jest pijane, przyjaciele idą osobnymi ścieżkami, a publiczność jest w stanie przetrawić rozważane tematy. Konflikt konwencji w każdym sensie, który sprzeciwia się prawie wszystkim tropom filmów fabularnych i opowiadania historii - to nie jest dokument w żadnym sensie i mocno oparty na scenariuszach opartych na prawdziwych rozmowach między dwiema postaciami - „My Dinner With Andre” to rzadka i przyjemna zasada - łamacz, który każdy miłośnik filmu powinien chociaż raz zobaczyć. [B +]

„Tylne okno” (1954)
Kolejny film o jednej scenerii, kolejne arcydzieło Alfreda Hitchcocka. Tym razem jest to kompleks apartamentów Greenwich Village, w którym letnia fala upałów w Nowym Jorku spowodowała, że ​​mieszkańcy mieszkania nie otwierają okien. Niezadowolony z samego ograniczenia scenografii, Hitchcock stawia sobie kolejne wyzwanie, ograniczając punkt widzenia filmu do punktu widzenia jednej postaci: Jeff Jeffries (grany przez doskonale obsadzonego Jimmy'ego Stewarta), fotografa ze złamaną nogą utknął na wózku inwalidzkim. Zamknięty w swoim mieszkaniu Jeffries, którego czasami odwiedza jego pielęgniarka (Thelma Ritter) i jego dziewczyna (przemiła Grace Kelly), zwraca uwagę na różnych sąsiadów po drugiej stronie dziedzińca, których widzi przez okno salonu. Samotna kobieta bez męża. Niekonwencjonalny artysta. Zakochani nowożeńcy. Jeden muzyk, który pije. Bezdzietna para, która kocha swojego psa. Okrągła tancerka baletowa. I oczywiście para, która zawsze walczy. Pewnego dnia żona w tej zjadliwej parze znika. Jeffries, patrząc na mieszkanie pary z granic swojego własnego salonu, widzi coraz więcej dowodów na to, co według niego może być morderstwem żony z rąk jej męża (Raymond Burr). Ustawienie kompleksu apartamentów szybko zmienia się w Jeffries ’; świat, który obsesyjnie stara się znaleźć więcej wskazówek. Jednocześnie my, publiczność, zatracamy się w ekonomicznej historii Hitchcocka, w której nie marnuje się żaden szczegół. Patrząc na Jeffriesa ’; przeglądając długie ujęcia kompleksu apartamentów Hitchcocka, szukamy wskazówek w nadziei na znalezienie tajemnicy. I zanim się zorientujemy, Jeffries ’; salon stał się naszym własnym. [ZA]

„Tape” (2001)
Jest świetnym aktorem teatralnym, ale na ekranie Ethan Hawke może być trochę mdły. Chyba że z tym współpracuje Richard Linklater, dla których Hawke nieustannie zapewnia najlepsze wyniki na ekranie. I niewiele jest lepszych niż ten, który podaje w „Taśmie”, adaptacja Linklatera Stephen Belber grać. Ustawiony całkowicie w czasie rzeczywistym, bez wychodzenia ze słabo wyposażonego pokoju motelowego, w którym się znajduje, Hawke gra Vince'a, małego handlarza narkotyków, aby zmusić swojego najstarszego przyjaciela Jona (Robert Sean Leonard, inny weteran teatru, rzadko używany na ekranie) ), aby wyznać, że zgwałciła była dziewczyna Vince'a, Amy (Uma Thurman), gdy byli młodsi. Skręty i zwroty rzadko grają zgodnie z oczekiwaniami bohaterów, a przeważnie praca Linklatera, choć nie jest najładniejsza, jest wciągająca, a w większości uniemożliwia filmowi zbytnią scenę. Ale tak naprawdę, jak to często bywa w przypadku filmu osadzonego w jednym miejscu, jest to prezentacja aktora, a wszystkie trzy gwiazdy rzadko są lepsze. Coś w rodzaju drobnego eksperymentu w kanonie reżysera, ale jednak niedoceniany. [B +]

„Odstraszanie” (2000)
Klaustrofobiczny thriller nuklearny ma długą tradycję od Sidneya Lumeta „Fail Safe”Do najnowszego„ Karmazynowego przypływu ”i„ Trzynastu dni ”, ale żaden z nich nigdy nie był tak klaustrofobiczny, przynajmniej pod względem lokalizacji, jak Rod Lurie„Odstraszanie”. Debiut reżyserski byłej krytyki filmowej Lurie, którego akcja rozgrywa się w 2008 roku, i na ścieżce wyborczej widzi prezydenta (Kevin Pollak) uwięziony w jadłodajni w Kolorado przez burzę śnieżną, podczas gdy w środku walki nuklearnej z Irakiem prowadzonym przez Udaya Husseina, który zaatakował Kuwejt. Choć jest to pierwszy film, Lurie utrzymuje napięcie, a chociaż poprzedni stojący Pollak nie jest najbardziej oczywistym prezydentem w historii kina, jest zaskakująco dobry i pasuje do bohatera - żydowskiego wiceprezesa, który niespodziewanie wzniósł się na wielką pozycję wcześniejsza śmierć naczelnego wodza. Ale niestety film jest przeważnie niewypałem, głównie z powodu nieprzekonującej obsady pomocniczej, w szczególności Seana Astina, pobudzonej przez śmieszną kozią bródkę, jako rasistowski małomiasteczkowy, i coraz bardziej głupią fabułę. Rzeczy w końcu osiągają szczyt z zakończeniem, które nie jest po prostu moralnie wysoce wątpliwe (i nie tak naprawdę celowe), ale także całkowite oszustwo narracyjne. Nie jest to nieciekawe, ale lepiej trzymać się „Fail Safe”. [C-]

„Dial M For Murder” (1954)
Okej, więc trochę oszukujemy tutaj, ponieważ film ma kilka sekwencji poza domem Margot (świetlistej jak zwykle Grace Kelly) i Tony'ego (Ray Milland), ale przeoczymy to jako Dial M For Morderstwo ”; to kolejne ekscytujące i doskonałe morderstwo ”; kapar od Hitchcocka. Widzisz, Tony dowiedział się, że Margot ma romans z porywającym pisarzem kryminalnym Markiem (Robert Cummings) i kręci się z urazy i zazdrości, że planuje ją zabić. On przygotowuje skomplikowaną fabułę, która obejmuje szantażowanie Swanna (Anthony Dawson), starego absolwenta z Cambridge, aby wykonać czyn: Swann będzie czekał za zasłonami pewnego wieczoru, gdy Margot będzie w domu, a Tony zadzwoni do domu. Kiedy pójdzie po telefon, Swann się pojawi i zabije ją. Jak zwykle konfiguracja wydaje się nieprzenikniona, ale seria pecha i pomyłek powoduje, że plan wymyka się spod kontroli. Hitchcock po raz kolejny robi cud, biorąc opowieść o opóźnionych połączeniach i zgubionych klawiszach, i zamienia ją w sprawdzalny gryzak do paznokci. Co ciekawe, udaje mu się również zachęcić publiczność do (nieco) sympatii do Tony'ego; w miarę, jak plan się rozwija, nie możesz pomóc, ale czujesz odrobinę litości dla faceta. Film wyróżnia się nie tylko tym, że Hitchock jest drugą wyprawą w kolor, ale także 3D. Nic dziwnego, że użycie 3D jest tutaj rozpraszające (ale szczerze mówiąc, nie gorsze niż te same wybryki, które wciąż zdarzają się dzisiaj), ale użycie kolorów przez reżysera (patrz Kelly i rsquo ; zmiana koloru sukni, kiedy ona jest z Tony'm i Markiem) jest starannie przemyślana. Nieco stagijne i nadmiernie wyjaśnione na początku (w końcu opiera się na sztuce), film naprawdę zaczyna kształtować się, gdy fabuła zostanie wprawiona w ruch i jak zwykle czysta przyjemność wyprowadza cię z ograniczonego otoczenia. [B]

„1408” (2007)
“; ostrzegałem cię o 1408 r. ”; Enigmatyczny menedżer Dolphin Hotel Samuela L. Jacksona, pan Olin, rzuca się w stronę Mike'a Enslina (John Cusack), uwięzionego w rzekomo zepsutym pokoju hotelowym w tym filmowym wcieleniu Stephen King’; opowiadanie o tej samej nazwie. Pomysł jest niezwykle prosty - Enslin, odnoszący sukcesy autor, który zarabia na życie w rzekomo nawiedzonych miejscach, przyjmuje niesławny pokój 1408 w Dolphin Hotel do swojego kolejnego zadania. Ignorując błaganie pana Olina, Enslin osiada w 1408 roku i szybko zdaje sobie sprawę, że ma się dobrze ponad głową - prawdopodobnie w tym czasie szalenie przerażające umieszczenie utworu „Właśnie dopiero zaczęliśmy” The Carpenters rozbija ciszę… sklasyfikowana powierzchnia mieszkalna. Reżyser Mikael Håfström oszczędnie, ale bardzo skutecznie wykorzystuje efekty specjalne, ustanawiając nieprzewidywalną metamorforę pokoju, która obejmuje absolutnie fantastyczną scenę dosłownej rozpadającej się pod koniec filmu. Cusack jest głównie sam jako Enslin i zapewnia zaskakująco wymierną wydajność, która owocnie opiera się na jego zniszczonej ludzkości. Enslin jest pod wieloma względami świetnym kandydatem do 1408 roku, z jego własnym bagażem emocjonalnym, duchy posiadające pokój mogą się odblokować i wycisnąć z nich maksymalne obrażenia psychiczne. Choć nie jest szczególnie niezapomniany, „1408 ”; jest umiejętnie wyreżyserowany i przyjemnością jest przyjmować, drżeć i trząść się w odpowiednich momentach. [B +]

„Dog Day Afternoon” (1975)
Niewiele więcej trzeba powiedzieć o wspaniałym filmie o napadzie Sidneya Lumeta, Dog Day Afternoon i rdquo; ale jaki kolejny genialny pomysł, aby zbudować napięcie, tworząc obraz jako nieudany napad, w którym złodzieje są uwięzieni w upalne popołudnie w Nowym Jorku (OK, bazuje na prawdziwej historii, ale nadal). Film czerpie najwięcej ze swoich dwóch głównych bohaterów: maniakalnego i luźnego Al Pacino, grającego dwukrotnego przegranego Sonny'ego w jego najlepszym wydaniu, przerażonego i przygnębionego Sal (cudownie głupiego Johna Cazale'a). Ta praca powinna być po prostu przeciętną pracą banku na Brooklynie, ale z powodu komedii błędów wszystko idzie źle, przybywa policja, a nieudolni przestępcy, którzy nad głowami są zmuszeni wziąć zakładników i zrobić dziurę w środku, mając nadzieję, że burmistrz sprosta ich wymaganiom. Zmienność nasila się, gdy sytuacja się rozciąga, podczas gdy gliniarze (znakomity Charles Durning) próbują negocjować z rtęciowym i spoconym rabusiem bankowym, wyraźnie na krawędzi. Później (spoiler na wypadek, gdybyś nie widział i dlaczego, u licha, nie?) Dowiadujemy się, dlaczego Sonny jest taki zdenerwowany; jego kochanek (Chris Sarandon) próbuje odwieść go od rabunku, a my odkrywamy, że machinacje stojące za przestępstwem są motywowane pragnieniem Sonny'ego, aby skłonić go do operacji zmiany płci. To fascynująca odmiana klasycznego i szorstkiego gryzaka do paznokci. [ZA]

Wyróżnienia: Orzeł zauważył tutaj kilka luk, głównie związanych z filmami osadzonymi wyłącznie w pociągach. Ale z „Unstoppable” w drodze, oszczędzamy na funkcję związaną z koleją w przyszłym tygodniu, więc bądź cierpliwy. W przeciwnym razie jest kilka filmów, o których warto wspomnieć, nawet jeśli odbiegają od jednego miejsca nieco za dużo, aby je tu uwzględnić. „Najemca” Polańskiego to drobne dzieło reżysera, ale nie jest nieciekawe i zawiodło go centralne przedstawienie - w tym przypadku sam Polański. Zadziwiająca jednorazowa „Rosyjska Arka” to niezwykły wyczyn filmowy, nawet jeśli czasem bardziej przypomina instalację artystyczną niż prawdziwy film. Zarówno „Dogville”, jak i „Manderlay” Larsa Von Triera są znakomite, chociaż ustawienie pojedynczej lokalizacji jest wymyśleniem Brechtiana, a nie prawdziwym wejściem do tego gatunku.

W przeciwnym razie science fiction „Księżyca” Duncana Jonesa osadzone jest głównie w obrębie stacji kosmicznej, choć czasami robi wycieczki na powierzchnię Księżyca. Podobnie, zarówno „Sunshine”, jak i „Das Boot” są ustawione całkowicie w obrębie statków kosmicznych / łodzi podwodnych, ale lokalizacje są na tyle duże, że nie do końca się kwalifikują, a „Clerks” Kevina Smitha rozciąga się na dwie różne lokalizacje, a ulica łączy je . W tym roku pojawiły się dwa inne thrillery, które nie oddalały się od jednego miejsca. Jeden z nich, „The Disappearance Of Alice Creed”, był przyjemnie kręcony, nieprzyjemny i dobrze działający, a drugi „Devil” wyprodukowany przez M. Night Shyamalana był… nie. Wreszcie, nikt nie widział ostatnio „Arsenu i starej koronki” Franka Capry na tyle, by to napisać, i chociaż jest on dziwny, że powiedzenie „Lina” nie jest, nadal warto sprawdzić, czy nasze wyblakłe wspomnienia z to jest dokładne.

kraby atlanta w beczce

- Mark Zhuravsky, Jessica Kiang, Katie Walsh, Tan Nguyen, Kevin Jagernauth, Oli Lyttelton, Rodrigo Perez



Najpopularniejsze Artykuły

Kategoria

Przejrzeć

Cechy

Aktualności

Telewizja

Zestaw Narzędzi

Film

Festiwale

Recenzje

Nagrody

Kasa

Wywiady

Klikalne

Listy

Gry Wideo

Podcast

Treść Marki

Najważniejsze Wydarzenia Sezonu

Ciężarówka Filmowa

Wpływowi