Najlepsze filmy 2016 roku, według krytyka IndieWire Erica Kohna

Zgodnie z ruchem wskazówek zegara od lewej: „Paterson”, „The Academy of Muses”, „Moonlight”, „Swiss Army Man”

Każdego grudnia powtarza się: każdy, kto uważa, że ​​był to zły rok dla filmów, po prostu nie widział wystarczająco dużo. W erze obłędnego oglądania, przewagi obowiązkowych programów kablowych klasy premium, a do diabła, nawet aplikacji na smartfony, które przyciągają znacznie większą uwagę w przypadku większości pełnometrażowych osiągnięć, prawdziwy zakres jakości kina jest często zaciemniany przez hałas - zagracony krajobraz mediów. Aby naprawdę ocenić stan współczesnych filmów, wystarczy spojrzeć poza to, co oczywiste. Oczywiście, był to słaby rok dla filmów, które wyróżniają się głównie dzięki sile gwiazd i sporym budżetom marketingowym, ale te opcje stanowią tylko niewielką część rynku.

Obwód festiwalu filmowego stanowi idealną alternatywę dla konwencjonalnych kanałów do odkrywania filmów, o których warto rozmawiać przez cały rok - a jeśli mają szczęście, jeśli chodzi o dystrybucję lądową, mają jakość na koniec roku na takich listach. W tym roku każdy finalista mojej listy najlepszych w tym roku pojawił się na dużym festiwalu i, w większości przypadków, trafił do teatrów później. Żadne z nich nie było bezpiecznymi zakładami komercyjnymi; w rzeczywistości ich skumulowane postacie kasowe mogą namalować ponury obraz komercyjnej opłacalności tej formy sztuki, ale to zdjęcie jest tylko jednym małym kawałkiem znacznie większej układanki. Filmy, które podważają konwencje, zrzucają ludzi i pozostawiają niepewność co do tego, czego właśnie doświadczyli, są często najbardziej zasługujące na świętowanie.



CZYTAJ WIĘCEJ: New York Film Critics Circle Names ‘ La La Land ’; Najlepszy film 2016, ‘ Moonlight ’; i ‘ Manchester By the Sea ’; Zdobądź trzy nagrody

Moja lista zawiera wiele filmów, które próbowały się tam wydostać, które nie działają dla wszystkich, które wywołują silne debaty - a mimo to uważam je za najlepsze w tym roku. Konsensus jest nudny. Jeśli coś tutaj wywołuje nieporozumienia, tylko wzmacnia żywotność tych wielkich dzieł.

Jeśli przewija się przez nich jakiś temat, to niepokój współczesności. Nasze społeczeństwo jest coraz bardziej wstrząśnięte nieoczekiwanymi wydarzeniami - o czym świadczą zarówno Donald Trump, Brexit, jak i Chicago Cubs - i wiele z najlepszych tegorocznych filmów mówi o tym dziwnym odczuciu tajemniczego świata i niespodziankach, które nam oferuje. Historie te dotyczą postaci dryfujących w niespokojnych warunkach, w których znikają granice między rzeczywistością a fikcją, prowadząc do niepewnych poszukiwań nieuchwytnej prawdy. Nie wszyscy to znajdują.

Zdobywcy drugiego miejsca w 2016 roku „The Eyes of My Mother”, „Nuts!”, „Manchester By the Sea” i „The Lobster”

Poniższa lista jest uszeregowana. Potrzeba kilku ostrzeżeń, aby uznać niektóre z drugiego miejsca. Po pierwsze, moje podejście kuratorskie uwzględnia takie czynniki, jak równowaga i zakres. Istnieje wiele pierwszorzędnych wysiłków, które zajęłyby wysokie pozycje na mojej liście, gdyby nie było innych podobnych tytułów, które doceniam tylko odrobinę (dlatego „Czarownica” ma horror nad „Oczami mojej matki” i „Swiss Army Man” pokonuje „The Lobster” w dziwacznym, alegorycznym dziale zabawy.

Mimo że rozszerzyłem listę poza zwykłe 10 najlepszych, aby objąć 16 tytułów, jest wiele innych, które nie całkiem się poprawiły. Należą do nich zachwycający parodia braci Coen z hollywoodzkiej fabryki snów „Zdrowaś, Cezar!” I pomysłowy półdokument Penny Lane o niesławnym sprzedawcy oleju z węża w „Orzechach!”, Z których oba odnoszą się do pomysłów odzwierciedlonych na tej liście. „Manchester By the Sea” to profesjonalnie napisane spojrzenie na życie z żalem, a „The Lobster” (który pojawił się na jednej z wersji tej listy wcześniej w tym roku) specjalizuje się w badaniu katharsis ucieczki przed opresyjnym społeczeństwem. Zobacz je wszystkie.

Przede wszystkim ta lista odzwierciedla niezwykle złożony rok doświadczeń kulturowych, kiedy społeczeństwo zostało wywrócone do góry nogami, a filmy tak samo oczekiwane. Są zwierciadłem świata, w którym żyjemy.

Listy są z natury ograniczające, więc możesz spodziewać się, że zobaczysz wiele z nich w miarę, jak rozpowszechniamy miłość. Inne głosy z zespołu IndieWire będą ważyć przez cały tydzień, a ten artykuł zostanie zaktualizowany z linkami. Na razie oto ostateczna ocena tego krytyka dotycząca najlepszych filmów wydanych w 2016 r. Argumenty są mile widziane, ale czytelnicy, którzy szybko podejmą decyzję, są zachęcani do odnalezienia wszystkich tych tytułów w pierwszej kolejności.

16. „Niektóre kobiety”

„Niektóre kobiety”

Filmy IFC

data otwarcia ukrytych postaci

Kelly Reichardt nadal pokazuje swoje mistrzostwo w amerykańskiej izolacji dzięki tej adaptacji opowiadań Maile Meloy. Każdy z trzech rozdziałów filmu mówi o poczuciu dyslokacji wśród postaci klasy robotniczej w Montanie. W roku, w którym frustracje klasy robotniczej osiągnęły szczyt gorączki, nie mogło być bardziej aktualne. Antologia Reichardta pełna jest dwuznacznych konfrontacji: w obliczu trudu znudzonego prawnika (Kristen Stewart) prowadzącego zajęcia z edukacji dorosłych i samotnej ręki na ranczo (Lily Gladstone), która zakochuje się w niej, Reichardt konstruuje swoją najlepszą dwójkę od czasu „Old Joy, ”Podczas gdy próba małżeństwa (Michelle Williams i James Le Gros) zdobycia starożytnego piaskowca od starszego mężczyzny subtelnie odnosi się do konfliktów międzypokoleniowych.

Ale prawdziwa moc filmu pochodzi z podpór, w których pewna siebie radca prawny (najlepiej Laura Dern) zajmuje się niezadowolonym, fizycznym mężczyzną, który wysyła pocztę po tym, jak jego firma zdradza go z powodu urazu w miejscu pracy. Rosnąca wściekłość starszego, wściekłego białego mężczyzny oraz walka bohatera Dern o pocieszenie go, daje „Pewnym kobietom” zadziwiający stopień wglądu w podział społeczeństwa amerykańskiego.

15. „Czarownica”

Anya Taylor-Joy w „Czarownicy”

Zapowiadane jako „New England Folktale”, ”; reżyser i pisarz Robert Eggers ’; zrealizowany pełnometrażowy debiut radzi sobie z trudną równowagą: z jednej strony elegancki, elegancki kawałek o rozpadzie rodziny z Nowej Anglii około 1630 roku, to także prawdziwie niepokojący horror o posiadaniu. Prawie wyłącznie w szarej kabinie i otaczającym ją złowieszczym lesie, minimalistyczne podejście do filmu nie jest pozbawione autentyczności, ponieważ Eggers opiera się na aktach sądowych i innych dokumentach, aby napisać dialog wraz z kostiumami z danego okresu. Efektem jest nawiedzająca narracja o nieziemskich siłach, szczególnie przerażająca ze względu na otaczający je realizm.

W połączeniu ze zdumiewającym debiutem Nicolasa Pesce „Oczy mojej matki” jest to dokładnie to, czego potrzebuje teraz gatunek horroru - porywający gatunek świeżej krwi i oryginalnej historii.

14. „Toni Erdmann”

„Toni Erdmann”

Na papierze pisarz i reżyser Maren Ade ’; s “; Toni Erdmann ”; ma prostą przesłankę: po śmierci swojego psa samotny samotny rodzic Winfried (Peter Simonischek) pojawia się w dużym mieście, aby spróbować odzyskać uczucia swojej wyobcowanej, dorosłej córki Ines (zdumiewającej Sandry Hüller), w przebraniu, więc może podążać za nią po mieście bez znajomości i znajomych.

Długo oczekiwana kontynuacja niemieckiego twórcy filmowego po dwóch godzinach i 42 minutach do 2009 r. W 2009 r. Wszyscy inni. staje się czymś znacznie bardziej subtelnym i spostrzegawczym, niż sugerowałby jego podstawowy układ. Epicka dwuręczność Ade o dynamice rodziny ma swoje ambicje. Zarówno wzruszająca relacja wyobcowania ojca i córki, jak i przebiegła satyra korporacyjna, „Toni Erdmann” zmaga się z dużymi problemami poprzez zaskakująco intymny obiektyw, w niespokojnej równowadze, która odzwierciedla niestabilne życie bohaterów.

Na początku nie byłem do końca przekonany, czy uzasadnia to ciężar, ale „Toni Erdmann” utkwiła we mnie od miesięcy, kiedy zobaczyłem go w Cannes, a jego warstwowa narracja stopniowo ujawnia swoje mistrzowskie uderzenia z perspektywy czasu. To znak prawdziwego filmowego osiągnięcia.

13. „Wujek Kent 2”

„Wujek Kent 2”

Fabryka 25

„Fajne, kino nie żyje”, brzmi hasło „Wujek Kent 2”, powołując się na tweetową reakcję na istnienie filmu. Ale genialny zamach meta-rompa Todda Rohala w umyśle gwiazdy „Wujek Kent” i animatora „Pora na przygodę” Kent Osborne polega na tym, że dziwaczne zwroty akcji w filmie są najbardziej inspirowaną kinematografią kontynuacją od wieków.

W brudnym pierwszym rozdziale w reżyserii Joe Swanberga Osborne próbuje nakręcić kontynuację mało widocznego portretu Swanberga na temat głupiego czterdziestokilkulatowego kawalera; kiedy Swanberg mówi Osborne'owi, aby sam wykonał kontynuację, to właśnie ta zwariowana odyseja właśnie taka staje się. Rohal, sam niedoceniany surrealistyczny twórca filmów („Gwatemalski uścisk dłoni”), oferuje genialny podróbka narcystycznych amerykańskich tropów niezależnych, które stają się coraz bardziej szalone. Jeśli Charlie Kaufman postawi koncepcję „mumblecore” w swoich liniach wzroku, wynik może wyglądać mniej więcej tak. Ale jeśli „Wujek Kent 2” jest skowronkiem, jest w pełni satysfakcjonujący, dostarczając sprytnego oskarżenia o samozachowującą kreatywność, zagrzebując się w jego skrajnościach i rozbijając je na strzępy.

12. „Pasuje”

„Pasuje”

Oscyloskop

Pierwszym filmem Anny Rose Holmer jest surrealistyczny portret nieoczekiwanej młodej bohaterki. Jedenastoletnia Toni (przełomowa gwiazda Hightower) aspiruje do roli tancerki, przechodząc szkolenie bokserskie w swoim centrum młodzieżowym w Cincinnati. Gdy konwulsyjna choroba zaczyna atakować kilku innych tancerzy, The Fits ”; stopniowo przekształca się w podobne do „Twin Peaks” spojrzenie na wspólnotową alienację, ale jest to również sprytne przedstawienie wyspiarskiej społeczności widzianej przez pryzmat dziecięcego cudu.

Niezwykle subtelne występy Hightower idealnie pasują do rytmicznego portretu tajemnic i wyobcowania z okresu dojrzewania w filmie. Zdolność Holmer do pozostania w perspektywie świata młodego bohatera nasyca „Pasujących” rozbrajającą prostotą, która jest niemal niesamowicie przejmująca, gdy dochodzi do surrealistycznego finału.

11. „Akademia muz”

„Akademia Muz”

W końcu ukazał się w kilku teatrach rok po festiwalu, portret romantycznego dramatu katalońskiego Jose Luisa Guerina z obiektywu naukowego jest jednym z najbardziej niekonwencjonalnych amatorów widowni. Chociaż nie miał filmu wydanego w Stanach Zjednoczonych od 2007 roku w „In the City of Sylvia”, Guerin kontynuuje twórcze eksperymenty filmowe, które łączą elementy dokumentalne i fikcyjne z zaskakująco nieprzewidywalnymi wynikami. „Akademia muz” jest wzorem tego wyjątkowego podejścia; jest również przezabawny i wzruszający w równych proporcjach.

Początkowo Guerin koncentruje się na wykładach wykładowców zajmujących się przetwarzaniem literatury na Uniwersytecie w Barcelonie, którzy proponują, aby kobiety były zgodne z klasyczną definicją „muza” i wykorzystywały swoje uwodzicielskie moce do inspirowania poezji. Podczas gdy ciężki dyskurs angażuje się na własnych warunkach, ten punkt wyjścia staje się pierwszym aktem sensacyjnego dramatu, w którym relacje uczeń-nauczyciel ewoluują w etycznie wątpliwe terytorium: profesor nie tylko śpi ze swoimi uczniami, ale także próbuje zracjonalizować decyzję kiedy jego twarzą w twarz jest jego bezsensowna żona.

Szokująca, głęboka, zabawna i smutna „Akademia muz” jest pierwszorzędną ilustracją głębokich myśli przełożonych na ekscytującą narrację. Pomimo ciężkiej koncepcji może być najbliżej pracy nad crossoverem od zawsze innowacyjnego Guerina.

10. „Neruda”

„Neruda”

Sad i uczestnik mediów

Chilijski reżyser Pablo Larraín portret legendarnego poety, senatora i eksperta-pseudonarza Pablo Nerudy w swoim kraju jest hipnotyzującym przedstawieniem tożsamości narodowej i inteligencji literackiej. Luis Gnecco zapewnia żywy (i bardzo dokładny) występ jako tytułowy element „Neruda”, ”; podąża za przełomową postacią z cygańskich dni imprezowych poprzez ucieczkę przed chilijskimi władzami rozgniewanymi przez jego komunistyczne skłonności.

Ale prawdziwa gwiazda “; Neruda ”; to przebiegły śledczy policji Oscar Bustamante Peluchonneau (Gael Garcia Bernal, doskonała folia komiksowa), którego zadaniem jest ogonienie poety. Kontynuując pościg za Nerudą, Peluchonneau zdaje sobie sprawę, że jest uwięziony we własnym micie o Nerudzie. “; Nie jestem postacią wspierającą, ”; mówi, ale ostatecznie jego walidacja wynika z uznania przez Nerudę, że ich wspólna historia ma znaczenie. Wraz z „Jackie” Larraína, wydanym w USA zaledwie tydzień przed „Neruda”, film potwierdza zdolność tego genialnego twórcy do przesłuchania historii w uderzająco oryginalnych warunkach. Larraín pozdrawia jednego z największych gawędziarzy w swoim kraju, dopasowując swoje talenty.

9. „American Honey”

„American Honey”

jak dokładna jest barry

Nawet gdyby Shia LaBeouf nie opisał swojego szlafroka na szelkach jako „Donald Trump-ish”, ekspresjonistyczna podróż Andrei Arnold rozbrzmiewałaby aktualną wizją. Od „Czerwonej drogi” do „Akwarium rybnego” Arnold konsekwentnie tworzy fascynujące portrety sfrustrowanych młodych kobiet, ale jej ambicje osiągają najwyższe szczyty dzięki rozległemu przedstawieniu uciekającego nastolatka (Sasha Lane, jednego z najlepszych odkryć roku), który dołącza grupa hedonistycznych młodych sprzedawców czasopism kierowana przez przebiegłego LaBeoufa.

Niektórzy krytycy wyśmiewali meandrujące tempo filmu i popową ciężką ścieżkę dźwiękową jako bardziej pozującą niż prawdziwą finezję narracyjną, ale ignoruje to kunszt artystyczny tego projektu. Arnold zapewnia sprytny wygląd wyobcowanej młodzieży plądrującej środkowy zachód bez żadnego konkretnego celu poza utrzymaniem ich lekkomyślnego stylu życia. To gniewne oświadczenie pokoleniowe i desperackie wezwanie pomocy.

8. „Swiss Army Man”

„Swiss Army Man”

A24

„Myślałem, że mnie uratowano”, śpiewa Paul Dano do zwłok Daniela Radcliffe'a, „ale jesteś tylko martwym kolesiem i jestem sam.” Surrealistyczny film dla kumpli, ożywiany kilkoma nowatorskimi zastosowaniami wzdęcia, „Swiss Army Man ”To pięknie dziwna mieszanka slapstika i muzykalizmu duetu z teledyskiem Daniels bogata w pomysły: pułapki politycznej poprawności, izolujące skutki niskiej samooceny, homoerotyczny charakter męskiej więzi i wiele więcej.

Uwięziony na bezludnej wyspie, gdy spotyka martwe ciało, które daje mu nadzieję, postać Dano wymyśla oryginalne zastosowania ciała, które powoli ożywa. Radcliffe zapewnia śmiałe przedstawienie, które jest zarówno niepokojące, jak i absurdalne, podobnie jak większość tego całkowicie angażującego filmu, który czasami wydaje się zmaterializowany z innego wymiaru twórczości Daniela. Ta wyimaginowana kraina jest warta kolejnych odwiedzin, więc mamy nadzieję, że ją utrzymają.

7. „Paterson”

„Paterson”

Małe wymiany i długie przerwy są cechami charakterystycznymi filmów Jima Jarmuscha, ale niewiele ma głęboką mieszankę ciepła i melancholii z „Paterson”. Niosący odpowiednio niski ton Adam Driver i Jarmusch ’; skłonność do rejestrowania odręcznych uwag „Paterson” jest jego najbardziej absorbującym studium postaci od „Broken Flowers”, ale ma ciche wyrafinowanie, które podnosi go na wyższy poziom. Lekka opowieść o kierowcy autobusu, który oświeca jako poeta, powiększa codzienne rytmy jego zamkniętego świata i przekształca je w sztukę, którą chce stworzyć. Z kolei czarujący, melancholijny i mądry „Paterson” udoskonala archetyp bezcelowego hipstera wędrującego po twórczości Jarmuscha, potwierdzając jego poszukiwania duszy.

5 filmów o technologii

6. „Operator”

'Kamerzysta'

Kirsten Johnson otwiera „Cameraperson” notatką opisującą projekt jako „mój pamiętnik”, ale bezpiecznie jest powiedzieć, że nigdy nie było takiego pamiętnika. Łącząc materiał filmowy z 25-letniego doświadczenia jako autor zdjęć dokumentalnych, „Cameraperson” oferuje swobodny przegląd ludzi i miejsc, które Johnson uchwycił w trakcie różnorodnej kariery. Co więcej, dwa tuziny projektów zaprezentowanych tutaj wraz z oryginalnymi materiałami filmowymi dotyczą procesu tworzenia. Jest to kolażowy przewodnik po życiu polegającym na szukaniu.

Kredyty Johnsona wahają się od ryzykownych eksponatów, takich jak „Pray the Devil Back to Hell” i „Citizenfour”, aż po lżejsze filmy, takie jak zeszłoroczny portret z kreskówek New Yorker „Very Semi Serious”, a wszystkie z nich pojawiają się w tej gęstej globalnej ankiecie. Ale odmienna tematyka krzepnie wokół jej dorozumianej obecności w każdej scenie. Radziecki teoretyk filmowy Dziga Vertov z pewnością poparłby podejście Johnsona - alternatywnym tytułem może być „Kobieta z kamerą filmową” - ponieważ zamienia on kamerę w naczynie do badania świata. Chociaż większość materiału w „Cameraperson” jest stara, Johnson niezaprzeczalnie stworzył coś odświeżającego i nowego.

5. „Kreatywna kontrola”

„Kreatywna kontrola”

Dzięki wyraźnym czarno-białym fotografiom i niesamowitym efektom hipnotyzujący thriller science fiction Benjamina Dickinsona i Creative Control ”; sprytnie wyobraża sobie zdominowane przez technologię społeczeństwo, które jest tuż za rogiem. Ale szczegóły fabuły, w której Brooklyn, twórca nowych okularów rozszerzonej rzeczywistości, traci kontakt z otaczającym go światem, nasyca cel swojej krytyki ostrym współczesnym akcentem. Film dowodzi, że bez względu na geniusz nowych technologii każde nowe, wymyślne narzędzie podlega ludzkim słabostkom. Jest zarazem nieziemski i znajomy - futurystyczna satyra, która ma natychmiastowe znaczenie.

4. „Wszyscy chcą trochę !!”

„Wszyscy chcą trochę !!”

Filmy Richarda Linklatera pełne są energetycznych obserwacji w małych dawkach. Gęste, filozoficzne kłótnie otaczają najcieńsze wątki; swobodne powietrze spotyka egzystencjalizm. Choć omawiany od wieków jako duchowa kontynuacja ”; do jego klasycznego liceum z lat siedemdziesiątych „Oszołomiony i zdezorientowany” - i ustawiony zaledwie kilka lat później - komediowa baseballowa komedia “; Everybody Wants Some !! ”; zawiera wiele najlepszych składników znalezionych w całej karierze Linklater: Beztroskie podejście do życia w połączeniu z bardziej spostrzegawczymi spostrzeżeniami na temat jego głębszych tajemnic.

Jak w przypadku jego zamiatania “; Before ”; trylogia i ambitny 12-letni cykl produkcyjny „Boyhood”, ”; nowy film sprytnie bawi się z czasem. Wciągnięcie trzech dni imprezowych wygłupów w nieco mniej niż dwie godziny, wszyscy chcą trochę !! ”; rozwija się w ostatnich dniach lata w małym college'u w Teksasie, w którym obowiązki dorosłości czają się poza kadrem. Równie urocze i mądre, każdy chce trochę !! ”; uosabia unikalną zdolność Linklater do poprawiania ludzkich zachowań dzięki prostocie. W tym filmie nie ma nic efektownego, ale jest to jego błyskotliwość. Życie wkrada się na ciebie, podobnie jak filmy Richarda Linklatera.

3. „Weiner”

Anthony Weiner i Huma Abedin w „Weiner”

Sundance Selects

Zaczęło się jako tragiczna farsa; w 2016 roku „Weiner” stał się niepokojącym spojrzeniem w świecie bufonu, który mógł kosztować nas naszą demokrację. Weiner podczas swojej katastrofalnej kampanii burmistrza w Nowym Jorku stał się narodowym żartem z oczywistych powodów. Ale opinia publiczna nie mogła zobaczyć wielkiego chaosu kampanii Weinera, gdy polityk stanął w obliczu jednego z największych upokorzeń publicznych w najnowszej historii. “; Weiner, ”; , który zdobył główną nagrodę jury na tegorocznym festiwalu filmowym Sundance, cofa tę zasłonę, aby odsłonić jedną z wielkich fars współczesnej historii kampanii (przynajmniej przed obecnym sezonem prezydenckim).

Film, współreżyserowany przez byłego szefa sztabu Weinera, Josha Kriegmana, z Elyse Steinberg, ukazuje Weinera i jego oblężoną żonę, doradcę Hillary Clinton Humę Abedin, poprzez szereg niepokojących okoliczności, gdy media nieustannie żerują na trudach rodziny. Rozwód Weinera z Abedinem latem w trakcie kampanii Clintona tylko zintensyfikował sceny pary; później, kiedy dyrektor FBI James Comey ujawnił, że przygląda się rozmowom Weinera z nastolatkiem, znaczenie dokumentu jeszcze bardziej się pogłębiło.

Odkładając to wszystko na bok, próba Weinera naprzód w obliczu niemożliwych szans skutkuje spektakularnie zabawnym spojrzeniem na pratfalls współczesnej celebryty i pychę zaangażowaną w ściganie władzy na arenie politycznej. Z jednej strony, “; Weiner ”; jest pierwszorzędnym weteranem kina, który uchwycił ciągłe upokorzenie i absurdalne inwestycje podmiotu w jego kampanię przeciwko niemożliwym przeciwnościom z uderzającymi szczegółami, nawet gdy chaos otaczający jego upadek wywołuje obsesję mediów na punkcie jego skandalu. Jednocześnie jest to hałaśliwy artykuł redakcyjny o nieodłącznym szaleństwie systemu przygotowanego do samozagłady. A teraz, gdy Weiner znika w zapomnieniu, musimy żyć w jego bałaganie.

2. „Jackie”

„Jackie”

Portret Pablo Larraína dotyczący próby zmagania się z chaosem Jackie Kennedy po zamachu na jej męża jest równoznaczny z thrillerem psychologicznym i śledztwem historycznym. Atmosferyczna konstrukcja filmu, osadzona przez Natalie Portman w najlepszym momencie kariery, przebija naturę życia publicznego i machinacji politycznych.

Scenariusz Noah Oppenheim obejmuje kilka trudnych dni, w których Jackie planuje pochówek swojego męża, a kamera Larraina pozostaje blisko jego tematu, zmuszając widzów do zawirowania w jej skomplikowanym sposobie myślenia. Bez względu na to, jak bardzo stara się chronić swój smutek, świat roi się w nim. To nie jest historia, jeśli nie jest spisane, i rdquo; mówi reporterowi, który ją przytula na każdym kroku. To stwierdzenie jest największym celem kina Larraína: Jaki jest nasz stosunek do przeszłości - i jak możemy go zmienić, aby sprostać dzisiejszym oczekiwaniom? Ponieważ fakty i fikcja mieszają się z teoriami spiskowymi na forach dyskusyjnych i redukcyjnymi mediami społecznościowymi, które określają naszą epokę informacji, filmy Larraína nie mogły nadejść w lepszym momencie. „Jackie” utrwala ich atrakcyjność.

1. „Moonlight”

'Światło księżyca'

Dzięki uprzejmości Color Collective i A24

Długo oczekiwana kontynuacja Barry'ego Jenkinsa w „Medicine for Melancholy” to głęboka tragedia, o której opowiadają przelotnie. Bogaty w sugestywne obrazy i delikatne wymiany, potraktowanie przez reżysera sztuki Tarrella Alvina McCraneya „In Moonlight Black Boys Look Blue” to piękny dramat, któremu udaje się być zarówno epickim, jak i zaniżonym.

“; Moonlight ”; bada los młodego czarnego mężczyzny z trzech epok, szukając swojego miejsca na świecie, walcząc ze swoją tożsamością homoseksualną pod ciężarem klasy i rozbitej rodziny. Moc tej historii wynika z przerw między słowami - i ciągłej walki o znalezienie odpowiednich. To zadziwiający nastrój o naturze marginalizacji na wielu poziomach jednocześnie.

Opowieść o młodym Chironie, gdy dorasta i brakuje mu okazji do znalezienia satysfakcjonującego życia, staje się coraz bardziej desperacka w miarę, jak się porusza, aż w końcu chłopiec staje się mężczyzną i próbuje po raz ostatni spróbować naprawić wszystko. Pomimo ponurego tonu jest to nadzieja dla przyszłych mówców - i zamyka rok, uosabiając jego niepewny nastrój. Bez względu na to, jak specyficzne jest to ustawienie, ton „Światła Księżyca” odzwierciedla mieszankę rozpaczy i tęsknoty, która określa nasze kłopoty.

Bądź na bieżąco z najnowszymi wiadomościami z filmów i programów telewizyjnych! Zarejestruj się, aby otrzymywać nasze biuletyny e-mailowe tutaj.

Najpopularniejsze Artykuły

Kategoria

Przejrzeć

Cechy

Aktualności

Telewizja

Zestaw Narzędzi

Film

Festiwale

Recenzje

Nagrody

Kasa

Wywiady

Klikalne

Listy

Gry Wideo

Podcast

Treść Marki

Najważniejsze Wydarzenia Sezonu

Ciężarówka Filmowa

Wpływowi