25 najlepszych filmów Alfreda Hitchcocka w rankingu

Debaty na temat Alfreda Hitchcocka trwają od dziesięcioleci. Czy był okrutnym geniuszem, który traktował swoich aktorów jak bydło, torturując ich występy swoich lodowatych blondynek? (Niektórzy, jak uznana gwiazda filmowa Grace Kelly, poradzili sobie z nim lepiej niż inni.) Niektórzy krytycy wolą bardziej kapryśnego brytyjskiego Hitchcocka z języczkiem w policzku, chociaż jego pierwszy przebój „The Lodger” (1927) był znakiem nadchodzących wydarzeń .

Najwyraźniej Hitchcock nauczył się od dawnego hollywoodzkiego mentora Davida O. Selznicka, który wiele go nauczył, zwraca uwagę na Davida Thomsona w „Nowym słowniku biograficznym filmu”. Przez 50 lat twórca filmowy zawsze miał talent wizualny i wyraźny styl, oraz umiał wplątać odbiorców w swoje ciemne, często nieprzejrzyste postacie. Zwłaszcza Cary Grant znakomicie grał charyzmatycznych mężczyzn, których motywy i prawdziwa natura były otwarte na interpretację, od „Podejrzenia” po „Notorię”.

Hitchcock był prawdziwym artystą w tym sensie, że często realizował swoją muzę, nawet gdy projekty bez wyraźnej komercyjnej obietnicy nie były wspierane przez studia. Ale zawsze balansował okazjonalnie flop eksperymentalny dużą ilością hitów głównego nurtu. Nie obchodziło go, że jego obsesja na punkcie elementów gatunku - które dziś są tak cenione jako komercyjnie „bezpieczne” - nie została zaakceptowana przez hollywoodzki establishment, który uznał je za filmy typu B. W kółko udowodnił, że garnitury się mylą, ponieważ rozumiał lepiej niż jakikolwiek twórca filmowy, aż do Stevena Spielberga, czego naprawdę chcą publiczność. Najwyraźniej lubił ich szokować i straszyć.



I bardziej niż większość twórców filmowych, Hitchcock przejął kontrolę nad rozwojem i produkcją swoich opowiadań i objął telewizję jako medium, które pomogło, wraz z jego scenami filmowymi, stworzyć postać rozpoznawalną przez publiczność. Jeden z pierwszych, który instynktownie zrozumiał siłę marki, stał się najbardziej znanym reżyserem, jaki kiedykolwiek żył. Miał instynkt autopromocji, wkładając się we własne zwiastuny filmowe. Stworzył mizerną postać komediową - reżysera, który mruga do publiczności, gdy wyrusza, by przestraszyć ich bejeezus.

Czy bronimy używania projekcji tylnego ekranu przez Hitchcocka aż do gorzkiego końca, kiedy nie był już w modzie? Pamiętam, jak śmiałem się z fałszywych zakrętów w „Działce rodzinnej”. W końcu ten uparty nawyk był niewielkim wykroczeniem.

Gdy przywrócona wersja voyeurystycznego klasyka Hitchcocka „Rear Window” powraca do obiegu, gang TOH plasuje się w 25 najlepszych filmach Hitchcocka. Tak, pomijamy niesamowite filmy. Nie krępuj się i powiedz nam, gdzie popełniliśmy błąd - szczególnie przy wyborze numeru jeden. Czy zgadzamy się z wyborem konsensusu Sight and Sound? Przeczytaj i płacz. - Anna Thompson

25 “; The Paradine Case ”; (1947)
Napoleon miał Waterloo; drużyna hokejowa Armii Czerwonej miała Lake Placid; Beatlesi mieli Moonlight ” ;; George Clooney ma 'Monuments Men. ”; Każdy ma coś do ukrycia, a dla Hitchcocka jest to hulajnoga, thriller w sali sądowej-dramat-spotyka-psychologiczny thriller z udziałem Gregory'ego Pecka („Spellbound”), Alidy (“; The Third Man ”;) Valli, Ann Todd, Charles Laughton i Hitchcock regularnie Leo G. Carroll, wszyscy wyreżyserowani przez kogoś nazywającego się Alfred Hitchcock. W rzeczywistości Hitchcock był u kresu kontraktu z Davidem O. Selznickiem (który był wielkim fanem całej produkcji) i naprawdę po prostu chciał się wycofać. Podobnie jak każdy, kto siada, aby obejrzeć wyniki.—John Anderson

24. „Lifeboat” (1944)
Jeden z eksperymentów Hitchcocka z wykorzystaniem pojedynczego ustawienia może wydawać się nieco etapowy, jeśli wręcz banalny, czasami, gdy każdy ocalały z tonącego statku, który jest zmuszony do dzielenia tytułu, musi reprezentować kawałek ludzkości, od religijnego czarnoskórego Joe (Canada Lee) i głupi gus Williama Bendixa do bezdusznej nazistowskiej Willi Waltera Slezaka do niestabilnej kobiety Heather Angel przywiązanej do martwego dziecka. Ale to Tallulah Bankhead jako cyniczna reporterka Connie z jej cudownie głębokimi gardłowymi odczytami („Umieranie razem jest jeszcze bardziej osobiste niż wspólne życie”) i efektowne akcesoria, które odpływają jeden po drugim, utrzymując ten dramatyczny sprzęt na powierzchni. Założenie wojenne pozwala Hitchcockowi otwarcie zająć się kwestią roli Boga w losie ludzkości. Tymczasem Connie często zaskakuje zarówno sprzymierzeńców łodzi, jak i publiczność spontanicznymi działaniami, na przykład kiedy całuje Gusa, zanim jego noga musi zostać amputowana, lub ponownie nakłada szminkę jako rodzaj kosmetycznego ratownika.—Susan Włoszczyna

Jim Carrey Count Olaf

23. „Szał” (1972)
Właśnie wtedy, gdy większość fanów porzuciła nadzieję, że Sir Alfred dostarczy kolejny thriller, który zasługiwał na gęsią skórkę, pojawiła się mroczna paskudna radość z późnego życia - jego drugi do ostatniego filmu. Ta odmiana na znany temat mężczyzny (wówczas wschodzącej gwiazdy Jona Fincha) niesłusznie oskarżonego o przestępstwo jako tak zwany „Krawat Dusiciel” Łodygi Londyn był jego pierwszą brytyjską produkcją od wieków i skorzystał z ery rozluźniania ograniczeń graficznych. Zapoznaj się z trudniejszymi aspektami spisku i delektuj się, jak Hitchcock przedstawia pokręcone apetyty, zarówno cielesne (sprzedawca owoców psychopatycznych Barry Foster atakuje seksualnie swoją ofiarę, zanim je udławił), jak i kulinarne (inspektor policji Alec McCowen ’; jest zmuszony zjeść obiad na żonie przerażająco niejadalne kreacje dla smakoszy). Istnieje wiele wspaniale zainscenizowanych scen często wykorzystujących ciszę. Ale sekwencja, która dostaje mnie za każdym razem, jest wtedy, gdy Foster zdaje sobie sprawę, że ofiara, którą wsadził do woreczka z ziemniakami i wrzuciła na ciężarówkę wypełnioną trzepaczkami, trzyma swoją charakterystyczną szpilkę do krawata. Jego desperacka próba wyrwania go ze szponów sztywnego trupa, polegającego na złamaniu palca, jest makabrycznie odbita w równoległym ujęciu żony McCowena strzelającego chlebem.—Susan Włoszczyna

22 „The Wrong Man” (1956)
Czarno-biały thriller zaadaptowany przez Maxwella Andersona z jego własnej powieści „Prawdziwa historia Christophera Emmanuela Balestrero” ściśle odzwierciedla prawdziwą historię niewinnego mężczyzny niesłusznie oskarżonego o zbrojny napad. Hitchcock przysięga, że ​​„każde słowo jest prawdziwe”. Choć może to być prawda, śmiały i impresjonistyczny styl filmu nadaje „Niewłaściwemu człowiekowi” jakość snu. Henry Fonda przekazuje góry niepokoju i frustracji jako basista smyczkowy złapany w karuzeli Kafkaesque, której desperacki plan pożyczenia ubezpieczenia na życie jego żony (Vera Miles) jest strasznie nieudany i trafia do więzienia. Więzienia i sale sądowe Hitchcocka pełzają w cieniach i sylwetkach, a kompozytor Bernard Herrmann wycofuje się ze swojego zwykłego talentu muzycznego, aby stworzyć partyturę, która subtelnie wydaje się wywrotowa dla filmu z 1956 roku. Z perspektywy czasu było to prawdopodobnie zbyt ponure i przygnębiające noir dla mas. (W tamtym czasie był to flop, ale od tamtej pory został krytycznie oceniony). Ale z daleka jego zmęczony światem duch odczuwa aprobatę tu i teraz. -Ryan Lactantius

Obejrzyj: Martin Scorsese mówi Hitchcock, „Taksówkarz” i Story vs. Plot z Jonem Favreau

21. “; Saboteur ”;(1942)
Jedną z bardziej kultowych sekwencji w filmach Hitchcocka jest kulminacyjny pościg thrillera wojennego na szczycie Statuy Wolności, w którym złoczyńca akcentowany Norman Lloyd bezskutecznie próbuje uciec Robertowi Cummingsowi. (I kto może go winić? Cummings jest jednym z najmniej przekonujących aktorów w historii; Lloyd mógł uważać ten stan za zaraźliwy.) To jest przejściowy Hitchcock: Jego pierwsza amerykańska produkcja, & Rebecca ”; był naprawdę angielski; “; Saboteur, ”; z historią ”; reżysera (i scenariusz napisany wspólnie przez Dorothy Parker) jest naprawdę 39 krokami; bez wyrzucanych motywów i ogólnego wyrafinowania. Zamiast stosunkowo zirytowanej Madeleine Carroll i wielkiego Roberta Donata, Hitchcock ma Cummingsa i Priscillę Lane, a także dramatyczny konflikt, w którym powróciłby do całej swojej kariery - niesłusznie oskarżonej przeciwko tylko niejasno zdefiniowanej sile zła. W “; Saboteur, ”; wszystko jest trochę oczywiste. —John Anderson

Obejrzyj: Najbardziej kultowe sekwencje tytułów Saula Bassa, od Scorsese po Hitchcocka

20. „Człowiek, który zbyt wiele wiedział”(1956)
Mistrz remake'u swojego brytyjskiego thrillera z 1934 r. Przedstawił jednego ze swoich ulubionych współpracowników, Jamesa Stewarta, jako amerykańskiego lekarza podczas podróży zagranicznej, którego młody syn zostaje porwany przez międzynarodowy pierścień terrorystyczny zaangażowany w spisek zamachowy. Zagraniczni złoczyńcy tutaj są niestety jedną nutą. Ale wyjątkowy występ pochodzi z nieoczekiwanego źródła: gwiazdy komedii muzycznej Doris Day w rzadkiej dramatycznej roli. Udaje jej się imponująco przełamać formę obojętnej blondynki Hitchcocka, nago wyrażając agonię matki, której dziecko zostało porwane. Jest instrumentem, który napędza wspaniały film centralny, w którym rozbity talerz podczas koncertu jest zamierzonym sygnałem dla zabójcy, aby strzelił do celu. I cudowna sekwencja, w której Dzień śpi swoje dziecko, gdy przygotowuje się do spania z nagrodzoną Oscarem piosenką „Que Sera, Sera” i rdquo; jest nagradzana powtórką melodii, którą dzielnie wykonuje w ambasadzie, aby ostrzec swoje ukryte dziecko, że jest blisko. —Susan Włoszczyna

Przeczytaj recenzję: Festiwal filmów niemych „Hitchcock 9”

19. „Dial M For Murder” (1954)
Grace Kelly dźgająca nożem zamordowanego za pomocą nożyczek jest właśnie tam z ciosem prysznicowym „Psycho” jako jedna z najbardziej imponujących technicznie sekwencji Hitchcocka. Tandetny thriller o cudzołóstwie i szantażu „Dial M” oferuje Kelly śliwkową rolę towarzyskiej żony, której zazdrosny mąż (Ray Milland), dowiadując się o romansie z pisarzem (Robertem Cummings), zmusza przestępcę do wyrzucenia jej. Ale oczywiście wszystko idzie nie tak. To czysta rozrywka, mniej obciążona freudowskimi wskazówkami i kodami późniejszych filmów Hitchcocka, ale mimo to porywająco trzymająca w napięciu. -Ryan Lactantius

MCU gejowski charakter

18. “; Blackmail ”; (1929)
Jest to jeden z najbardziej klasycznych autostopowiczów z niedawno wydanej gry „Hitchcock 9”, który milczy w kryminalnej scenerii, motywach i napięciu - nie wspominając już o pierwszym użyciu sekwencji pościgowej wokół słynnej lokalizacji, w tym przypadku British Museum . („Szantaż” istnieje również w wersji częściowo talkie, w której, co dziwne, czeska aktorka Anny Ondra wypowiedziała słowa wypowiedziane poza kamerą przez brytyjską aktorkę Joan Barry.) Błyszczące przywrócenie BFI (z oryginalnego negatywu) jest objawieniem . —Meredith Brody

17. “; Zagraniczny korespondent ”; (1938)
Dwa filmy Hitchcocka startowały w konkursie na najlepszy film w 1941 roku - stosunkowo ciężka Rebecca ”; (który wygrał) i ten czarodziej, o amerykańskim reporterze w Europie, natknął się na wyrzutnię drugiej wojny światowej. Zabawne jest, jak gwiazda filmu, Joel McCrea, zniknęła ze świadomości publicznej w taki sposób, że powiedzmy, że Cary Grant nie ma: McCrea miał podobną do Granta wszechstronność zarówno z komedią, jak i dramatem, może przywołać ludzkość Gary Cooper i był równie męski jak każda gwiazda w Hollywood. As Johnny Jones - redubbed & Huntley Haverstock ”; wydawcy (Harry Davenport), który uważa, że ​​to brzmi lepiej - sugeruje Tom Sawyer, tajny agent: Gdy holenderski dyplomata (nominowany do Oscara Albert Bassermann) zostaje zastrzelony na deszczowych schodach przypominającej katedrę sali konferencyjnej w Amsterdamie, zapewnia jeden z kultowych momentów Hitchcocka - ujęcie żurawia, które pokazuje, nie uciekającego zabójcę, ale falę, którą wywołuje przez tłum parasoli - i wprawia Huntleya w trop agentów zamierzających rozpalić świat. “; korespondent zagraniczny ’; nie może być lepszy niż “; Rebecca ”; ale Boże, to dużo więcej zabawy. -John Anderson

16. „Suspicion” (1941)
W formie “; Notorious ”; i “; Rebecca, ”; ta tajemnicza relacja noir (oparta na popularnej powieści) opiera się na pomyśle, że kurcząca się fioletowa Joan Fontaine nie ufa swojej uroczej grzebieniu nowego męża, Cary'ego Granta, który ma ambicję być kimś więcej niż on. Czy to jej fantazyjna wyobraźnia ucieka wraz z nią, gdy odkrywa jego hazard i inne sekrety, czy może jej wnętrzności każą jej się bać, bardzo bać? Hitchcock przewodzi nas przez przypływy i odpływy ich ewoluujących emocji, manipulując nami na każdym zakręcie włosów. Fontaine zdobył jedyną Oscara dla najlepszej aktorki za niedocenionego Hitchcocka, który był nominowany do pięciu Oscarów, ale musiał zadowolić się honorowym Oscarem Irvinga Thalberga w 1968 r. -Anne Thompson

15. The Lady Vanishes ”; (1938)
Primo English Hitchcock, z wyjątkiem odrobiny ospałości w pociągu, gdzie Margaret Lockwood próbuje znaleźć tweedową angielską damę, którą z pewnością poznała (Dame May Whitty), i która wypiła herbatę, zanim zniknęła w otwartej paszczy międzynarodowej kolei szpiegostwo podróżnicze. Jest to znakomity przykład tego, co wyróżnia wczesnego i późnego Hitchcocka - Michaela Redgrave'a, z jednej strony, jako wdzięczny muzykolog, którego sceptycyzm do historii Lockwooda stopniowo wyparowuje i który jest motywowany zarówno romantyzmem, jak i tajemnicą. Tempo również wydaje się importowane: minęło prawie pół godziny, zanim Hitchcock stara się doprowadzić wszystkich do pociągu, w którym to czasie jesteśmy dokładnie zaznajomieni z postaciami i ich najwyższym interesem własnym (który, zamiast czystego zła, jest źródło złośliwości na pokładzie). Wśród obsady na uwagę zasługują Naunton Wayne i Basil Radford jako komiczni fani krykieta Caldicott i Charters, którzy konspirują, by utrzymać tajemniczy pociąg w ruchu, aby nie przegapić meczu w Manchesterze. —John Anderson

Obejrzyj: dokument Hitchcocka udaremniony holokaustem

14. „To Catch a Thief” (1955)
„Złapać złodzieja” to Hitchcock na wakacjach. W zestawieniu z błyszczącymi widokami Riwiery Francuskiej Cary Grant i glam Grace Kelly są nieodparcie czarujący w tym przestronnym, nasłonecznionym romantycznym kaparze. Grant wciela się w emerytowanego złodzieja klejnotów zamieszanego w nowy ciąg rabunków, który chce udowodnić swoją niewinność, podczas gdy Kelly gra córkę amerykańskiej rodziny, która jest w posiadaniu jednych z najbardziej pożądanych klejnotów na Riwierze. Uwielbia małe niebezpieczeństwo, rzucając się w tajemnicę, a jednocześnie wyglądając bajecznie w legendarnej teraz złotej sukience z maskarady Edith Head, wśród innych nokautowych sukienek. (Para żartuje z zimnych części kurczaka; fajerwerki gasną po pocałunku.) Grant wiodący mężczyzna Grant zapisał już udane połączenia z Hitchcockiem w filmach „Suspicion” i „Notorious”, zanim jego kultowe role w „To Catch a Thief” i 1959 „ Północ, północny zachód.' -Ryan Lactantius

Obejrzyj: każda kamea Hitchcock w jednym filmie

13. „Marnie” (1964)
Chociaż wysiłki Richarda Brody'ego z New Yorkera, między innymi, przyczyniły się do odzyskania Marnie ”; z popiołu z pożarów Hitchcocka ten portret zniszczonego oszusta (Tippi Hedren) i mężczyzny (Sean Connery), który ją poślubił, pozostaje jednym z najbardziej śliskich i trudnych dzieł reżysera. Dzikie pluski szkarłatu i bujna, przeszywająca partytura Bernarda Herrmanna sprawiają, że melodramat cztero-hankiego w pełni się zagotuje - i sporadycznie pozwala mu się zwinąć. Niemniej jednak, “; Marnie ”; zakotwiczony przez dotknięty spektakl Hedrena, jest bezwzględną próbą oddania traumy psychoseksualnej w składni formy filmowej; nawet gdy się potyka, niemal obsesyjne Hitchcock szczeci się odważnym, ekspresjonistycznym zapałem. —Matt Brennan

12. „North by Northwest” (1959)
Hitchcock dał kilku wiodącym mężczyznom najlepsze role w ich karierze. Cary Grant był najbardziej uprzejmy jako reklamodawca mylony z tajnym agentem, który musi żyć własnym rozumem, aby przetrwać atak z nieoczekiwanych kwater, w tym zboże na polu kukurydzy, jeden z najsłynniejszych brawurowych elementów Hitchcocka. Grant także niezapomniany kocha się z Evą Marie Saint w pociągu… i kłótnie o skalistych prezydentów w Mount Rushmore. Hitchcock zawsze chciał tam kręcić i opracował zwariowany thriller szpiegowski wraz ze scenarzystą Ernestem Lehmanem (zalecanym przez kompozytora Bernarda Herrmanna, którego partytura rozpoczyna się od kultowych tytułów Saul Bass), który postanowił dostarczyć najlepszy film Hitchcocka. I tak zrobił. Przynajmniej może być najbardziej zabawny. - Anna Thompson

jeść słońce

11. „39 kroków” (1935)
Hitchcock podjął już takie chwalebne wysiłki, jak „Lodger” (1927), „Blackmail” (1929) i „The Man Who Knew Too Much” (1934), kiedy wyreżyserował „The 39 Steps”, pierwszy akt niezrównoważenia zamówienie. Ten pienisty, dowcipny kaprys, w którym Robert Donat i Madeleine Carroll są nieszczęśliwymi sprzymierzeńcami w wyścigu o tajemnicę wojskową, jest zasadniczo pełnometrażowym MacGuffinem, ale tańczy wraz z taką inteligencją floty, że narracja jest prawie zbyteczna. Pełne krętych zwrotów i sprytnego humoru - z pewnością jest zabawniejsze niż „czarna komedia” reżysera „The Trouble with Harry” (1955) - film ten jest wczesnym przykładem lekkiego dotyku Hitchcocka, skonstruowanego z genialną oszczędnością. Zanim Richard Hannay z Donata potknie się, by wygłosić porywającą mowę polityczną, w której tęskni za światem „w którym wszyscy dostaną uczciwe porozumienie i sportową szansę”, „39 kroków” wydaje się nie mniej znaczące niż przeczucie: może równie dobrze być pierwszym klasykiem Hitchcocka. —Matt Brennan

10. „Rebecca” (1940)
Jego pierwszym filmem u Davida O. Selznicka, którego wrażliwość rozrywkowa kolidowała z perwersyjną pasją Anglika, był gotycki melodramat Daphne du Maurier. Judith Anderson wciela się w nikczemną postać, gdy pani Danvers, gospodyni domowa, ma obsesję na punkcie martwej żony swojego arystokratycznego mistrza Maxa de Winter (Laurence Olivier). Aby zostać drugą panią de Winter, bohaterka Joan Fontaine cierpi psychiczne tortury Danversa i jest prawie popychana w szaleństwo (prawdopodobnie nie w przeciwieństwie do wielu dam Hitcha) i samobójstwo. W czarno-białej „Rebecca” rzuca widmowe zaklęcie, nawet jeśli jego dziwaczna strona, w tym implikacje związane wyłącznie z seksualnym fiksacją Danversa na martwej kobiecie, została złagodzona przez Kodeks Produkcyjny. Ale jedną z przyjemności oglądania Hitchcocka w XXI wieku jest to, że tak przebiegłe osobliwości i tak przetrwają. -Ryan Lactantius

9. „Rope” (1948)
W pierwszej wyprawie Hitchcock w barwach Technicolor John Dall i śliczny chłopiec Farley Granger jako Brandon i Phillip, znudzeni i obojętni kumple, którzy uduszą byłego kolegę z klasy w swoim mieszkaniu prawie jak skowronek, a następnie urządzają przyjęcie w mieszkaniu dla przyjaciół i narzeczonej ofiary. Przez cały czas zwłoki sztywnieją w skrzyni na środku pokoju. Wejdź do zagadkowego Ruperta Cadella (Jimmy Stewart), byłego mentora i filozofa, który dał im pomysł zabijania jako ćwiczenia intelektualnego. Na długo przed tym, jak „Birdman” rozpostarł skrzydła, Hitchcock złączył dziesięć ujęć, aby stworzyć iluzję czasu rzeczywistego, popychając stan sztuki filmowej w czasie, gdy kamery trzymały tylko dziesięć minut filmu. W słynnych wywiadach Truffauta Hitchcock zapisał technikę filmu jako „wyczyn kaskaderski” i „chwyt” - ale powinniśmy to interpretować jako typową dla siebie reżyserską odmowę wypuszczenia kota z torby. Homoseksualny podtekst relacji Brandona (Dall) i Phillipa (Granger), od momentu przejścia Hays Code era 1948, został zaakceptowany przez cognoscenti jako prawdziwy tekst filmu, w którym wszystko dotyczy męskich lęków i lęków. -Ryan Lactantius

8. „Shadow of a wątpliwości” (1943)
W dzisiejszych czasach masowe zabójstwa dokonywane przez napastników, których śmiertelne intencje pozostają niezauważone przez przyjaciół i krewnych, są tragicznie powszechne. Podczas gdy filmy Hitchcocka często opierały się na temacie, który pozornie wprowadza w błąd, niewiele jego tytułów uderza tak blisko domu i wydaje się tak istotne, jak odsłonięcie mrocznego podbrzusza pozornie zdrowych małych miasteczek w USA. Teresa Wright jest bardzo spokrewniona z Charlotte, nastolatką niezadowoloną z egzystencji klasy średniej, która uwielbia charyzmatycznego i światowego wuja Charliego (uroczo potwornego Josepha Cottena). Ma wrażenie, że są ze sobą powiązane psychicznie - na jego cześć nazywa się Little Charlie - i nie może się doczekać jego wizyty. Ale kiedy zaczyna ukrywać wycinki z gazet na temat „Merry Widow Murderer”, ”; podejrzewa, że ​​mógł być odpowiedzialny za przestępstwa. Kryminał noirish przypomina trochę kryminał Nancy Drew, ale z nurtem kazirodczej atrakcyjności między dwoma głównymi bohaterami, gdy młody Charlie traci niewinność, podczas gdy musi potwierdzić potworne czyny wuja, pomimo narażenia się na niebezpieczeństwo. Sam Hitchcock uważał „Shadow of a Doubt” być jednym z jego ulubionych, bez wątpienia częściowo dlatego, że przenosi użycie dubletów do skrajnego transfiksu. —Susan Włoszczyna

7. “; Spellbound ”; (1945)
Pierwszorzędny Hitchcock i bezpośredni prekursor zawrotów głowy i zawrotów głowy; pełen napięcia thriller o psychologii i morderstwie, który jest wspierany przez umieszczenie go w szpitalu dla obłąkanych; kruchy występ Gregory'ego Pecka jako wybitnego, ale głęboko zaniepokojonego dr Anthony'ego Edwardsa; i ta sławna sekwencja zaprojektowana przez Salvadora Dali, mająca na celu zilustrowanie slalomowego procesu umysłu Ballantyne. Próba Hitchcocka w surrealizm jest oczywiście łaskotaniem, ale nadal wolimy ten strzał z pistoletu z POV złoczyńcy - obracanie, obracanie i wreszcie strzelanie do kamery. —John Anderson

6. „Nieznajomi w pociągu” (1951)
Zarezerwowane przez sekwencje wesołego miasteczka z pierwszego i ostatniego aktu - ta pierwsza, z niesamowitymi sylwetkami w Tunnel of Love, jest jedną z najlepszych scenografii reżysera - Strangers on a Train ”; zbliża się ku końcowi z prędkością uciekającej karuzeli. W międzyczasie playboy Bruno Anthony (Robert Walker) ściga przystojnego tenisistę i niechętnego wspólnika Guya Hainesa (Farley Granger) z lubieżnym porzuceniem, krzyżując swoje stłumione pragnienia z planem idealnego morderstwa. Jeśli jednak instynkt drapieżny Brunona sugeruje długą historię homofobicznych stereotypów Hollywood, dreszcz niedozwolonej energii między Bruno i Guyem elektryzuje film, który w innym przypadku byłby wzorem do opanowania. Dopóki kulminacja nie doprowadzi do tego, że spisek wykręci się z jego osi, to znaczy w eksplozji akcji, do której aspiracja miałaby jakakolwiek maszt studio. —Matt Brennan

5. „The Birds” (1963)
Nikt nigdy nie dowie się, jak okrutny był Hitchcock wobec Tippi Hedren, gdy zmusił wytworną, ale niedoświadczoną modelkę, która przez tydzień była w stanie odpierać ataki żywych ptaków, dopóki nie padła pod opieką lekarza. Oskarżyła „złego i zboczonego” Hitchcocka o molestowanie seksualne, które byłoby dziś sprzeczne z prawem, a także o zrujnowanie jej kariery po tym, jak oprze się jego postępom. (Nazywał ją tylko „dziewczyną”). Melanie Daniels w eleganckim, pokręconym francuskim żartownisiu miasta Melanie Daniels w „Ptakach” jest najciekawszą blondynką Hitchcocka, więc kiedy stada kruków, mew, wron, wróbli i gołębi zwracają się przeciwko mieszkańcom nadmorskiej wioski w Kalifornii, ustępuje miejsca wstrząsającej bezbronności . Ucieka ze szklanej budki telefonicznej i w końcu dziurawi się w domu Mitcha Brennera (Rod Taylor), innego mężczyzny, który oddaje się matce (Jessica Tandy). Hitchcock ponownie złamał zasady, kręcąc ten przerażający film bez punktów. Słyszymy wiatr i uderzenia skrzydłami oraz odgłosy uderzających o ciało dziobów. Trasa między naturą a człowiekiem jest już znana, ale tak nie było. - Anna Thompson

Przeczytaj fragment Zachwycająco chorobliwego wywiadu Andy'ego Warhola z 1974 r. Hitchcock

4. „Rear Window” (1954)
“; Lisa. ”; Trzepnięcie. “; Carol. ”; Trzepnięcie. “; Freemont. ”; Trzepnięcie. Moje trzy ulubione słowa w kinie pochodzą od Grace Kelly, gdy jej nieustraszona towarzyska zapala się w minutach otwarcia „Tylnego okna”. Swooning i stylowe, tak urocze, jak gorąca trik Franza Waxmana, pierwsza rozmowa Lisa z wyluzowanym kochankiem, rannym fotoreporterem L.B. “; Jeff ”; Jefferies (James Stewart) od samego początku nadaje ton voyeurystycznej tajemnicy Hitchcocka. Reżyser, ograniczony do jednego pokoju, tworzy świat w miniaturze, przyglądając się nowożeńcom i samotnym sercom, korzystając z długiej, grubej… soczewki Jeffa. Tkając romans, napięcie, a nawet przerażenie z otaczających widoków i dźwięków odległego miasta, wszystko zakwaszone przez żartobliwą pielęgniarkę Thelmy Ritter, „Tylne okno” jawi się jako pean do potęgi, a przewrotność spojrzenia, przypomnienie, dlaczego zakochaliśmy się w filmach w pierwszej kolejności. —Matt Brennan

3. „Psycho” (1960)
„Psycho” jest tak głęboko osadzone w kulturze, że trudno sobie wyobrazić, jak radykalny i dziwny był 55 lat temu. To było tak, jakby Steven Spielberg popadł w niezależnego łobuza, łamiąc wszystkie zasady kanonu. W pierwszym ujęciu kamera podglądacza wpada do pokoju hotelowego, aby obejrzeć półnagą Marion Crane (Janet Leigh), która kroczy z żonatym mężczyzną (John Gavin). Z ufnością podążamy za Marion, gdy kradnie pieniądze, kupuje samochód i zameldowuje się w motelu Bates, gdzie my i taksówkarz Norman Bates (Anthony Perkins) obserwujemy dziurkę od klucza, gdy Marion się rozbiera. Kompozytor Hitchcocka, Bernard Herrmann, osiąga nowe szczyty przerażającego terroru w ostatecznej, szybko wycinającej się sekwencji morderstw, która na zawsze będzie znana jako Scena pod prysznicem, ponieważ nasza wiodąca dama zostaje zabita przed końcem filmu. Hitchcock manipulował czasem, przestrzenią i widzem, a krytycy nie wiedzieli, co z tym zrobić. Generacje filmowców studiowały te ujęcia. Ze wszystkich naśladujących horrory, które pojawiły się później, żaden nie znalazł się na szczycie „Psycho”.- Anna Thompson

2. „Vertigo” (1958)

To takie proste: jeśli nie lubisz „zawrotów głowy”, nie lubisz filmów. W hipnotyzującej, fantastycznej tajemnicy Hitchcocka z 1958 r. - która wciąż dumnie siedzi na szczycie 50 najlepszych filmów wszechczasów Sight and Sound, detronizuje długo panującą „Citizen Kane” - chłodna blondynka Kim Novak olśniewa w podwójnych rolach, gdy akrobatyczna Scottie Jimmy Stewart ściąga i uwielbia w ostateczny fetysz. Pozostaje to najbardziej namacalnie przewrotny obraz Hitchcocka, pełen rozmaitych dziwności, których nigdy nie rozumiemy - jak ostatni obraz zakonnicy walącej w dzwony wieży misji, gdy Judy pogrąża się w zgubie. Hitchcock jest pionierem narracyjnej zmiany przynęty i przełącznika, która napędza wielu współczesnych thrillerów, oferując początkowo zwodniczą opowieść o duchach Madeleine, która jest albo nie jest, ale tylko po to, aby ogłosić historię i ujawnić głębsze psychologiczne opowieść o przebraniu i pożądaniu. -Ryan Lactantius

1. „Notorious” (1946)
Filmy Hitchcocka są często złożone psychologicznie i niezwykle zabawne, ale rzadko są głęboko romantyczne. „Notorious” to mroczny thriller szpiegowski z czasów II wojny światowej napisany przez Bena Hechta, w którym wywiadowiec Devlin (Cary Grant) przekonuje seksualnie beztroską Alicię Huberman (Ingrid Bergman) do infiltracji grupy nazistów w Ameryce Południowej. Kiedy duet zakochuje się - i cieszy się jednym z najdłuższych pocałunków na ekranie - Alicia czuje się dobrze, gdy służy wyższemu celowi. Ale sprawy stają się mętne, gdy stary przyjaciel rodziny Alexander Sebastian (Claude Rains) oświadcza się Alicii. Zarówno ona, jak i Devlin są skonfliktowani o robienie właściwych rzeczy dla siebie i dla swojego kraju, i wysyłają mieszane wiadomości. Więc idzie naprzód i naraża się na wielkie niebezpieczeństwo. W oszałamiającej sekwencji Devlin przybywa na wystawne przyjęcie, na którym wraz z Alicią, która ukradła jej mężowi klucz do piwnicy z winami, eksplorują piwnicę i obejmują się, aby Alexander pomyślał, że Devlin właśnie ją robi. Matka Aleksandra odkrywa prawdę i zaczyna otruwać Alicię. Devlin musi wymyślić, jak ją uratować. Grant, Bergman i Rains są na szczycie swoich przekonujących mocy. Podobnie jak Hitchcock.- Anna Thompson

Najpopularniejsze Artykuły

Kategoria

Przejrzeć

Cechy

Aktualności

Telewizja

Zestaw Narzędzi

Film

Festiwale

Recenzje

Nagrody

Kasa

Wywiady

Klikalne

Listy

Gry Wideo

Podcast

Treść Marki

Najważniejsze Wydarzenia Sezonu

Ciężarówka Filmowa

Wpływowi